Ich bin SKVO
Ich wurde 1980 geboren und lebe und arbeite derzeit in Madrid, Spanien.
Meine künstlerische Praxis bewegt sich zwischen Zeichnung, Systemen, Maschinen und physischer Materie. Ich arbeite mit speziell angefertigten Stift-Plottern, algorithmischen Strukturen und traditionellen künstlerischen Medien, um zu erforschen, wie sich zeitgenössische Zeichnung über die Grenzen der menschlichen Hand hinaus entwickeln und dennoch zutiefst menschlich bleiben kann.
Für mich sind Maschinen kein Ersatz für Künstler. Sie sind Erweiterungen von Wahrnehmung, Geste, Rhythmus und Denken.
Ich habe mich schon immer für Strukturen interessiert – für die verborgene Geometrie der Welt, für Wiederholung, für das Spannungsfeld zwischen Präzision und Instabilität. Lange bevor ich begann, Zeichenmaschinen zu bauen, fühlte ich mich zu Systemen hingezogen: architektonische Raster, fragmentierte Umgebungen, mechanische Bewegungen, Interferenzmuster, angesammelte Spuren und die Art und Weise, wie einfache Linien unsere Wahrnehmung eines Objekts oder Raumes grundlegend verändern können.
Meine Arbeit ist in der Zeichnung verwurzelt, jedoch nicht im traditionellen Sinne. Ich betrachte das Zeichnen eher als räumlichen und zeitlichen Prozess denn als statisches Bild. Eine Linie ist nicht nur eine Kontur. Sie ist Bewegung, Dauer, Druck, Rhythmus, Fehler, Erinnerung und Entscheidung.
Im Jahr 2020 begann ich, meine ersten experimentellen Plot-Systeme zu erforschen und zu bauen. Was als technische Untersuchung begann, entwickelte sich allmählich zu einer philosophischen. Ich war weder an Automatisierung um ihrer selbst willen interessiert, noch an der Erzeugung maschinell perfekter Bilder. Ich interessierte mich für das Gegenteil: wie mechanische Systeme Unvorhersehbarkeit, Zerbrechlichkeit und materielle Komplexität erzeugen.
Im Laufe der Jahre entwickelte ich mehrere Generationen eigens gebauter Stift-Plotter, die speziell für künstlerische Experimente und nicht für industrielle Präzision konzipiert sind. 2026 stellte ich die vierte Generation meines zeichnerischen Systems fertig – eine großformatige, maßgefertigte Plotmaschine mit einem automatisierten Mechanismus, der zwischen 31 unabhängigen Werkzeugen wechseln kann, darunter Stifte, Marker, Pinsel, Graphitinstrumente und modifizierte Zeichengeräte.
Dieses System ermöglicht es mir, mit geschichteten physischen Medien auf eine Weise zu arbeiten, die mit rein manuellen oder rein digitalen Methoden unmöglich wäre. Jedes Werk wird zu einer Aushandlung zwischen programmierter Struktur und materiellem Widerstand. Der Druck verändert sich. Die Tinte verhält sich unvorhersehbar. Pinsel verformen sich. Pigment sammelt sich an. Kleine Abweichungen verwandeln das endgültige Bild.
Diese Unvollkommenheiten sind kein Versagen der Maschine. Sie sind das Werk selbst.
Meine visuelle Sprache basiert auf linienbasierter Dekonstruktion. Ich verwende geschichtete Liniensysteme, um Architektur, Landschaften, Objekte, natürliche Formen und urbane Umgebungen zu fragmentieren und zu rekonstruieren. Durch Akkumulation und Wiederholung beginnen erkennbare Formen, zwischen Repräsentation und Abstraktion zu oszillieren. Bilder entstehen langsam aus Dichte, Interferenz, Rhythmus und struktureller Spannung.
Konzeptionell erforscht meine Arbeit das Verhältnis zwischen Kontrolle und Unvorhersehbarkeit, zwischen menschlicher Intention und autonomen Systemen. Mich interessiert der Moment, in dem die Autorschaft auf Software, Mechanik, physische Werkzeuge, Materialien und den Körper des Künstlers verteilt wird.
Ich sehe meine Praxis als Teil einer breiteren Tradition der konzeptionellen, generativen und systembasierten Kunst. Das Werk von Sol LeWitt hat mein Verständnis von Strukturen und Anweisungen als künstlerische Sprache grundlegend verändert. Die algorithmischen Experimente von Vera Molnár zeigten, dass rechnergestützte Systeme über emotionale und visuelle Sensibilität verfügen können. Die optische Instabilität von Bridget Riley enthüllte, wie Rhythmus und Wiederholung die Wahrnehmung physisch beeinflussen können. Die Reduktion und räumliche Disziplin von Piet Mondrian beeinflussen weiterhin mein Verständnis von Struktur und Gleichgewicht.
Gleichzeitig interessiere ich mich sehr für die Zukunft der physischen Bilderzeugung in einer post-digitalen Kultur. Heute werden Bilder zunehmend reibungsloser, unendlich und immateriell. Meine Arbeit bewegt sich in die entgegengesetzte Richtung. Ich möchte, dass das Zeichnen wieder an Gewicht, Widerstand, Akkumulation und Präsenz gewinnt.
Deshalb bleibt der physische Prozess für meine Praxis unerlässlich. Jede Linie existiert materiell. Jede Spur nimmt Raum ein. Jede Zeichnung zeichnet Zeit, Bewegung und mechanische Interaktion auf.
Ich betrachte meine Maschinen nicht als Werkzeuge zur Reproduktion von Bildern. Ich sehe sie als Instrumente, um neue Formen des Zeichnens zu konstruieren.
Letztendlich ist meine Arbeit der Versuch, neu zu überdenken, was Zeichnung in einem Zeitalter, das von Algorithmen, Berechnung und intelligenten Systemen geprägt ist, werden kann – ohne dabei die Körperlichkeit, Verletzlichkeit und Unvorhersehbarkeit aufzugeben, die Kunst menschlich machen.